Projota, o romântico

O rapper Black Alien – aquele que cantou no Planet Hemp e tem um único e excelente disco solo, Babylon by Gus – canta na música Timoneiro: “cai o muro de Berlim e as rádios tupiniquins ainda amarelam de tocar algo assim”. Este ano, o fim da divisão da Alemanha completou 25 anos. Quando caiu o muro, o mundo mudou – acabou a Guerra Fria, o capitalismo venceu e os Estados Unidos se tornaram potência hegemônica. A ditadura estava no fim no Brasil, a tecnologia avançava a passos largos. E, mesmo assim, o rap ainda não tocava nas rádios. Vamos a 2014. A coisa começou a mudar, mas ainda não há uma cena rapper no mainstream. Quem capitaneia, nesse momento, esse nicho é Projota, o romântico.

Projota lançou esse ano seu primeiro álbum por uma grande gravadora, Força, Foco e Fé. Mesmo que você não tenha ouvido um acorde dessas músicas, provavelmente já conhece a voz do rapper. Ele está estourado nas rádios com o hit Cobertor, ao lado da funkeira Anitta, mas também já cantou em Deixo Você Ir, do Onze20, e Se Joga, do Strike. Mais conhecido do que ele no mundo pop mainstream, só se for algo do Marcelo D2 ou a música Vagalume, que tem o rap do Pollo, mas faz sucesso pelo refrão de Ivo Mozart. Em todos esses trabalhos, Projota rima de forma descontraída, divertida e romântica. E isso é bem o estilo dele.

Não que não tenha o lado mais pesado em seu trabalho. Pelo contrário. Basta ouvir Samurai, Pra Não Dizer que Não Falei do Ódio e Fatality, para dar um exemplo de cada mixtape lançada de forma independente por ele até hoje. Na última delas, Muita Luz (2013), ele já dava o tom que acabaria por se destacar com a música Mulher, com participação de Marlos Vinícius, do Onze20: o refrão e a ponte têm melodia marcante que contrasta com o verso, no qual o flow e a raiva de Projota estão bem suavizados. Funciona, e essa fórmula ele levou para o novo trabalho.

Três músicas do disco novo são marcantemente românticas. Enquanto Você Dormia mostra um homem apaixonado, curtindo esse momento enquanto observa a namorada dormir. O Vento é mais uma declaração de um cara que encontrou “a paz pro Oriente Médio do meu coração”. Foi Bom Demais, por outro lado, é quase um pedido de desculpas para uma relação que acabou, mas deixou boas lembranças depois das mágoas iniciais. Elas vêm uma em sequência da outra no disco, nessa exata ordem, o que provavelmente não é coincidência nenhuma. Isso sem contar Mulher, que foi incluída de novo em Força, Foco e Fé.

Em entrevista ao portal Terra, Projota declarou que o objetivo do novo álbum é mesmo bater de frente no mainstream, tocar na rádio. Provavelmente, essas músicas cumpram um papel importante nesse plano. De quebra, ele consegue cada vez mais público feminino. “Elas gostam, principalmente quando eu faço musica romântica, e aí agrega, porque elas começam a ouvir o meu trabalho e conhecem o resto, as outras musicas mais pesadas, e gostam, e isso é muito louco”, comentou. Sobre a preocupação com o romantismo, ele foi sincero: “eu nao posso ficar me policiando, porque eu não me policiei para chegar aonde eu cheguei. Se eu começar agora, talvez seja um problema“.

Projota é romântico mesmo e é bom no que faz. Não vai surpreender se muitas de suas músicas tocarem em novela, propagandas e rádios. É assim, também, que o rap conquista seu espaço.

EXTRA

Você já ouviu, então, a música do Projota com a Anitta, Cobertor. Sugiro que ouça, também, a versão que parece ser a embrionária. Ela está como faixa extra no Foco, Força e Fé. É mais swingada, mais agitada e menos solene. Mais divertida, portanto.

Taylor Swift confronta, ignora ou usa o Spotify?

Não houve trocadilho musical que impedisse a decisão bombástica da cantora americana Taylor Swift, que no início da semana passada retirou todo o seu catálogo do serviço de streaming Spotify. A empresa postou playlist engraçadinha pedindo a volta dela e usou nomes e trechos de diversas músicas, em mensagem postada: Taylor, we were both young when we first saw you, but now there’s more than 40 million of us who want you to stay, stay, stay. It’s a love story, baby, just say, Yes. Não adiantou. Todos sabem o motivo dessa manobra. Só não se sabe ainda os efeitos.

Taylor já vinha sinalizando que tomaria ação contra serviços como o Spotify. Em entrevista recente ao Wall Street Journal, afirmou que música não deveria ser gratuita porque “é arte, e arte é importante e rara, e coisas raras e importantes devem ser valorizadas”. Ela não concorda com os direitos pagos pela empresa, entre US$ 0,006 e US$ 0.0084 por execução. Se a cantora recebe a maior cota, você teria de ouvir uma música 120 vezes para render a ela US$ 1. Taylor Swift tirou sua obra do alcance de 40 milhões de pessoas – cerca de 10 milhões que pagam valores mensais – em 58 países.

Primeiro, Taylor retirou de lá o álbum mais recente, 1989 (2014). Esse é o primeiro a vender 1,3  milhão de cópias desde 2003, quando Eminem conseguiu esses números com o The Eminem Show. Ele desafia os números decadentes da indústria musical na última década. E mais: de acordo com o jornal britânico The Guardian, 25% dos usuários do Spotify já ouviram alguma música da cantora americana, sendo que ela aparece em 19 milhões de playlists e seu single mais recente, Shake It Off, era o número 1 em streamings. Mesmo assim, ela na sequência tirou tudo.

“O que eu posso dizer é que a música está mudando tão rápido, e o cenário da indústria musical em si muda tão rapidamente, que tudo que é novo, como o Spotify, me parece um grande experimento. E eu não estou disposta a contribuir com o trabalho da minha vida com um experimento que eu sinto que não recompensa de forma justa escritores, produtores, artistas e criadores de música. Eu simplesmente não concordo com a perpetuação da noção de que música não possui valor e deveria ser gratuita“, explicou a cantora, em entrevista ao Yahoo! Music na terça passada.

Parece justo, Taylor. Mas até onde você vai levar isso?

Afinal de contas, serviços como o Spotify estão custando dinheiro a artistas como Taylor Swift: de acordo com a revista americana Money, uma pesquisa da MIDiA Reserch determinou que 23% dos usuários de streamings costumavam comprar mais de um álbum por mês. Isso significa que agora a cantora vai aumentar ainda mais os números de vendas? Não. E essa é a questão. Se os fãs não piratearem os álbuns, vão simplesmente recorrer ao Youtube, Grooveshark, SoundCloud, Pandora, LastFM, Rdio ou qualquer outro modelo semelhante e continuar ouvindo suas canções. E talvez pagando ainda menos.

taylor1989A não ser que a cantora apareça com alguma alternativa revolucionária, a decisão vai se limitar a não compactuar com algo que com o que ela não concorda – o que é mais do que justo, mais uma vez. Uma hipótese é Taylor Swift estar usando seu absurdo potencial de mercado para produzir mudanças nesse sistema de remuneração que julga incorreto. Essa hipótese é reforçada pela notícia de que o iTunes deve lançar um serviço de streaming para fazer frente ao Spotify. A cantora deverá ser procurada. E se aceitar, as milhões de pessoas que ouviram suas músicas poderão migrar de programa.

Se nada mudar, o Spotify vai sobreviver sem Taylor Swift da mesma forma como sobrevive sem Beatles, AC/DC e The Black Keys, entre outros artistas que não liberam sua obra para o serviço. Se na semana que vem ela desistir da decisão e recolocar as músicas à disposição, já vai ter saído no lucro, de qualquer maneira. Tem sido apontada por publicações do mundo inteiro como uma das artistas mais poderosas da indústria musical, obrigou essa discussão a ocorrer e ganhou mais mídia do que jamais conseguiria no Spotify. O jornal The Guardian até relacionou o anúncio a uma posição feminista da artista. Isso, Shake it Off jamais renderia.

PS1. Já falamos de Taylor Swift aqui antes e de maneira não tão lisonjeira. Leia

PS2. SE ESSE ÁLBUM REALMENTE SAÍSSE EM 1989, SERIA ASSIM:

Ouvi Butcher Babies e gostei do que vi

Comecei a ouvir Butcher Babies recentemente. Conheci a banda pelo Spotify, que a indicou baseado nas músicas que eu andava ouvindo. Vi na listagem que havia apenas um álbum. Dei o play. Até então, a única referência era a capa: uma coisa sombria, uma criança olhando para um casal adormecido na cama – provavelmente os próprios pais. Eu esperava uma faixa de introdução ao estilo abstrato, como é de costume com essas bandas, mas o que ouvi foi a primeira música: I Smell a Massacre. Gostei.

São quatro acordes até a bateria entrar com tudo, pedais duplos e um berro agudo. Na hora, me lembrou a introdução de People = Shit, do Slipknot. Será que é uma mulher berrando? A faixa avança mais um pouco, e eu entro em dúvida: parece que ouço duas mulheres alternando berros com vocais harmoniosos. Se for uma só enfiando camadas de voz na música, vou parar de ouvir, pensei. Isso faria da banda algo muito artificial. Mas não. Eram duas vozes bem diferentes. Gostei mais.

Escutei mais umas quatro faixas, cada vez mais satisfeito com a pegada, já achando tudo muito inspirado em Pantera e Lamb of God. Não há um segundo de lirismo na voz das vocalistas. Abri o Google e digitei o nome da banda para finalmente ver o estilo, a aparência. Quase caí da cadeira. Encontrei duas modelos seminuas, corpos esculturais segurando microfones com facas e serras-elétricas acopladas, à frente de uma banda de homens maquiados para um filme de terror, estilo Rob Zombie.

butcher

Heidi (à esq.) e Carla

Foi importante ouvir a banda antes de vê-la porque, para a maioria das pessoas, ocorre o contrário. Ouvi Butcher Babies e gostei do que vi é um comentário maldoso muito difundido nos sites de heavy metal, que ironizam a qualidade da banda e creditam a atenção ganha – que nem é tão grande assim – à aparência e ousadia da morena Carla Harvey, escritora e ex- repórter da Playboy TV; e de Heidi Shepperd, hoje de cabelos vermelhos, radialista e modelo. As duas são espetacularmente lindas. Mas e daí?

A princípio, as duas encarnavam o que chamavam de sluty metal. Inspiradas em Wendy O. Willians, vocalista e líder da banda Plasmatics, elas se apresentavam de topless, com esparadrapos cobrindo os mamilos. Quase sempre são essas fotos que aparecem em matérias e resenhas. Wendy, que se matou em 1998, fazia esse tipo de coisa – inclusive com berros nas músicas – no começo dos anos 80. Era uma transgressora. E tinha, também, um corpaço. Não é difícil relacionar os dois casos. O nome Butcher Babies vem de um EP Solo gravado por Wendy em 1980, chamado Butcher Baby. Hoje em dia elas não usam mais esse visual.

Wendy O. Williams

Wendy O. Williams

É complicado tentar entender porque a banda atrai tanta crítica. O som é bem feito, coerente. Não há indícios de que os vocais sejam artificiais. Faltam vídeos oficiais da banda a não ser clipes, mas há alguns shows gravados de forma amadora no Youtube, e as duas seguram a bronca no mínimo satisfatoriamente. Tudo recai, então, no visual, que é obviamente explorado pela banda na figura das vocalistas. Sobram comentários dizendo que as duas não precisariam colocar os peitos de fora para fazer sucesso. Mas por que elas não podem fazer isso? O assunto, é claro, envolve machismo.

A discussão é complicada, mas tem avançado no rock em geral. A presença feminina na indústria da música – e, principalmente, no universo do rock – infelizmente ainda é imensamente inferior em relação à masculina, mas sobram exemplos como Joan Jett, The Donnas, Kittie, Walls of Jericho, 45 Grave, Evanescense eArch Enemy. Tem mulher fazendo som pesado para todo tipo de estilo. Que Carla e Heidi se vistam da forma como quiserem para se apresentar. Você pode não gostar do estilo, da voz, das músicas. Mas não dá para – e acho que nem teria mais como – limitar as vocalistas e o Butcher Babies apenas às aparências.

Recentemente, a banda saiu em turnê com o Down, de Phil Anselmo (vocalista do Pantera); e com o Black Label Society, de Zakk Wylde, guitarrista do Ozzy osbourne. Os dois monstros do rock não devem estar ligando mais para como elas se vestem do que para o som que fazem. Um conselho de um cara que ouviu Butcher Babies antes de ver a banda: coloque o fone de ouvido e ouça a intensidade do álbum Goliath (2013). É tão intenso quanto a beleza das vocalistas. E mais relevante do que isso tudo também.

Gwen Stefani volta com novo trabalho solo

A cantora californiana Gwen Stefani, do No Doubt, mantém uma carreira solo em paralelo às atividades da banda desde 2004. Atualmente, ela está em alta e tem aparecido bastante na mídia – Gwen é uma das apresentadoras da versão americana do The Voice e o No Doubt andava em turnê com seu último disco Push and Shove, de 2012, que marcou a volta da banda. Aproveitando a boa fase, ela soltou um single novo. É a música “Baby Don’t Lie”:

A canção é o primeiro trabalho solo de Gwen a ser lançado desde 2006. Mesmo contente com sua volta depois de um hiato de oito anos, não gostei muito da música nova, apesar de o single estar sendo aparentemente bem recebido pelos fãs. Achei sem graça e meio chatinha, muito parecida com alguns trabalhos da Rihanna, mas sem potencial para virar um grande hit. A carreira solo da Gwen sempre foi muito mais focada em pop e dance, estilos que diferem bastante da pegada do No Doubt – que também sempre teve uma forte veia pop, mas sem deixar o rock, o ska e a música jamaicana de lado. Por isso, muita gente critica bastante a carreira solo dela. Eu sou fã da Gwen, tanto no No Doubt quanto em carreira solo. Mas confesso que esperava mais dela e fiquei decepcionada.

E você? O que achou?

O Fresno e o mal da televisão

Lucas Silveira, vocalista e principal compositor da Fresno, tem hoje 30 anos de idade e já vivenciou muita coisa nessa vida. Viveu tanto que lançou, só com a banda, seis álbuns e dois EPs – sem contar os projetos paralelos chamados Visconde, Beeshop e SirSir. Suas letras são desde sempre carregadas de emoção, potencialmente inspiradas em situações reais, provavelmente pessoais, além de conter uma espécie de visão de vida. Isso significa que nada na obra da Fresno é superficial, dos amores adolescentes às temáticas de auto-ajuda. Um dos aspectos menos evidentes e mais recentes é o ódio pela “televisão” – ou seja, a imprensa.

Há diversas menções diretas a ela nos últimos trabalhos da Fresno, assim como referências à imprensa de modo geral. Em alguns casos, dá pra entender a televisão como uma entidade reguladora, que julga a todo tempo e controla sua vida pública. Em outras, ela é aquele vilão clássico, alienador e manipulador. É impossível não fazer ligação direta com a velha polêmica do som emo, dos rótulos distribuídos a esmo e da maneira depreciativa que a banda foi encarada em um período da carreira, mas que reverbera até hoje. (Pra entender melhor, há o documentário Do Underground ao Emo, que conta como a forte cena do hardcore foi traduzida meramente em estética pelo mainstream com ajuda da grande imprensa nos Anos 2000).

lucasfresnoIsso fica evidente porque as primeiras referências não são exatamente negativas. Elas estão primeiro em Quebre as Correntes, música do álbum Ciano (2006), aquele que popularizou a banda. “E o quê dizer quando sua vida não é igual à da TV?”, canta Lucas. Depois, aparece de novo no álbum Redenção (2008), o primeiro da banda por uma grande gravadora (Universal Music). Na música-título, ele avisa: “desligue o rádio e a TV porque no seu domingo vou aparecer”, enquanto que em Europa relaciona a TV a “imagens do passado”, a um pesadelo do qual não há como acordar. Nada muito grave, portanto.

Mas foi com o Redenção (2008) que chegou ao auge a rotulação da Fresno, que deixou de ser vista como uma banda cool para fazer parte de uma estética vazia e afetada. Isso foi potencializado com um disco que a banda, hoje em dia, enxerga com ressalvas. O álbum seguinte, não por acaso chamado Revanche, foi escrito pra provar que a banda era rock suficiente. Lucas admitiu, no documentário feito na gravação do EP Maré Viva, que, por mais doido que pareça, Revanche se destinou àqueles que não gostavam de Fresno.

A TV, essa entidade que conta as histórias do dia-a-dia e influencia milhões de pessoas, não foi poupada, e a partir daí as referências à imprensa aumentaram exponencialmente. Em Deixa o Tempo, Lucas canta: “Queria tanto estar em casa vendo mentiras na televisão”. Em Relato de um Homem de Bom Coração, ele desabafa: “de que adianta abrir os olhos se sei que os flashs são pra me cegar”. Em A Minha História Não Acaba Aqui, a mais representativa do álbum, elenca: “vão te vender sem saber o que há por dentro e vão achar que com alguns trocados podem te comprar, vão encontrar mil maneiras de rotular”.

fresno_marevivaDo Revanche para frente, todas as referências são negativas. Como, por exemplo, na música A Gente Morre Sozinho, do inexplicável EP Cemitério das Boas Intenções (2011): “enquanto pintavam os muros de sangue pra vender jornais”. Ou como em Farol (Infinito, 2012): “mas saiba que o teu olho me emburrece mais que as mentiras que eu li nos jornais de ontem”. No mais recente EP, Maré Viva (2014), o mesmo ocorre em À Prova de Balas: “sente o veneno que sai da tua televisão, eles vão dar uma festa pra nossa extinção. Quem muito mostra, esconde e engana quem vê de longe”.

O NTR é imprensa? Sei lá. Só sei que aqui estamos mais uma vez tentando interpretar as músicas do Fresno, dando significado a algumas coisas que, como temos a humildade de admitir neste momento, podem nem ser isso mesmo. Mas que esse ódio pela televisão faz sentido, faz. Talvez seja uma espécie de bode-expiatório, uma forma de canalizar esse incômodo que, se não é culpa da “televisão”, foi amplificado e popularizado por ela – de qualquer maneira, eu ainda acho que, sim, é culpa da televisão como principal componente do mainstream.

Diz um ditado americano: those who tell the stories rule the world. Isso tudo é o Fresno brigando para poder contar a sua própria história, em vez de amplificá-la por outros meios.

Imparável / Unstoppable

Esse post possui uma versão em inglês / This article is also avaiable in english

O paulistano Johann Vernizzi, salvas as devidas proporções, é quase um Dave Grohl brasileiro. Além de trabalhar com publicidade e design em período integral em uma das maiores agências do Brasil, o cara ainda atua como ilustrador e tem duas bandas bastante produtivas: o trio Veronica Kills e a dupla Sleeping Sapiens. Johann é workaholic, quase hiperativo e envolvido em muitos projetos, assim como o líder dos Foo Fighters. E sim, sou suspeita pra falar porque ele é um dos meus melhores amigos. Mas essa produtividade musical vai muito além do meu possível puxa-saquismo e acho de verdade que merece a sua atenção.

Acontece que, quase ao mesmo tempo, o Sleeping Sapiens lançou um clipe novo; enquanto o Veronica Kills lançou um EP novo em parceria com a marca Converse e uma campanha de crowdfunding para a gravação de seu primeiro álbum completo – e seu lançamento em vinil. Tô falando que não é brincadeira, hahaha.

O vídeo do Sleeping Sapiens é legal porque é vintage. Os caras gravaram tudo EM FITA, com máscaras malucas, brincando num parquinho tipo playground de condomínio.

Johann Vernizzi, from São Paulo – Brazil, can be compared to Dave Grohl in is hyperactivity. Besides working as a full time designer for one of the main brazilian advertising agencies, he still works as an illustrator and has two great rock’n’roll bands: the trio Veronica Kills and the duo Sleeping Sapiens. Johann is a workaholic ans is always envolved em lots of different projects, such as the Foo Fighters leader. And yes, I’m biased because he is one of my best friends. But this high musical productivity goes far beyond my personal judgement and really deserves your attention.

The thing is, almost at the same time, Sleeping Sapiens has launched a new videoclip, while Veronica Kills has released a new EP in a partnership with Converse plus a crowdfunding campaign for the recording of their first full album – ans its release in vinyl. I’m telling you, it’s serious business.

The Sleeping Sapiens video is cool because its vintage. The guys have recorded it IN TAPE, wearing crazy masks and fooling around in a kids playground.

O EP novo do Veronica Kills se chama “Eu Caminho” e é legal porque, obviamente, é uma tiração de sarro com o disco mais hypado da dupla americana Black Keys, “El Camino”. Além disso, esse EP consolida a nova formação do Veronica Kills como um trio e foi gravado pelo projeto Rubber Tracks em parceria com a Converse (a marca que faz o clássico tênis All Star, moda entre os roqueiros desde os anos 70 e os Ramones).

O projeto, aliás, é uma chiqueza só: começou no Brooklin, em Nova Iorque, para incentivar a música independente; e agora chegou ao Brasil com a banda paulistana. As duas faixas do “Eu Caminho” foram gravadas no Family Mob Studios (que pertence a Jean Dolabella, ex-Sepultura) com o produtor Hector Castillo, que já trabalhou com artistas como David Bowie, Lou Reed e Bjork (tá, meu bem?!); e mixadas e masterizadas por Chuck Hipolitho no estúdio Costella. Dá pra ouvir as canções novas (“Song to Die” e “Feelin’ Alright”) no Bandcamp do Veronica Kills. E a capa, feita pelo próprio Johann, também ficou ótima (veja ao lado).

Agora, o Veronica Kills precisa da sua ajuda para poder lançar seu primeiro álbum cheio em vinil. Para explicar o que é o projeto, o que é crowdfunding e como todo mundo pode ajudar, a banda fez um vídeo bem divertido, com a volta da fatídica mãozinha do clipe “Lack of Soul”.

The new Veronica Kills’ EP is called “Eu Caminho” – in portuguese, “I walk”; in a clear reference and parody of the most hype album by american duo The Black Keys (“El Camino”). Besides that, this EP consolidates the bands’ new formation as a trio and was recorded by the project Rubber Tracks in partnership with Converse (the brand that makes the classic trainers All Star, in fashion among rockers since the 70s and the Ramones) .

The project is really great. It has started in Brooklyn, New York, to support independent music; and now it arrives in Brazil with the band from São Paulo. The two tracks from “Eu Caminho” were recorded in the Family Mob Studios (which belongs to Jean Dolabella, former member of the brazilian metal band Sepultura) with the producer Hector Castillo, who have worked with artists such as David Bowie, Lou Reed e Bjork (is that enough for you?); and mixed and mastered by Chuck Hipolitho, a legendary musician from brazilian underground rock scene who has also been a MTV presentor, in his Costella studios. You can hear the new tracks (“Song to Die” and “Feelin’ Alright”) on their Bandcamp website. The cover art were also made by Johann (see above).

Now, the band Veronica Kills needs your help so they can release their first full lenght album on vinyl. To explain how the project works, what is crowdfunding ans how to donate, the group has made a very funny and instructive video – starring the talking silly hand from their first video, “Lack of Soul”:

O álbum irá contar com 8 músicas inéditas da banda e será lançado em vinil de 12 polegadas de 140 g com capa colorida, em uma prensagem exclusiva para os apoiadores do projeto. Dependendo da quantia doada, os apoiadores também podem ganhar outras recompensas, como camisetas e adesivos. Clique aqui para acessar a página do projeto e ajudar! Tem recompensas legais a partir de apenas R$ 20,00.

Seguindo a tradição do “Faça Você Mesmo” e da hiper produtividade, o baterista da Veronica Kills, Giuliano Di Martino, assina o design das camisetas e adesivos do projeto. Queria saber o que esses caras comem no café da manhã. A campanha para ajudar a banda vai até o dia 17 de maio e ainda falta arrecadar boa parte da verba. Você já viu que os meninos fazem boa música, estão trabalhando duro e ralando de verdade. Então, que tal ajudá-los?

The album will have 8 new tracks and will be released in 12 inch 140 grams vinyl, with a high quality coloured cover, in an exclusive pressing for the pledgers. Depending on the amount donated, the pledgers can also win other nice rewards, like stickers and t-shirts. Click here to access the project webpage and help them! There are nice rewards from BRL 20 (less than 10 US dollars).

Following the “Do It Yourself tradition” and the hyperactivity, the bands’ drummer, Giuliano Di Martino, is responsible for the design of the project’s stickers and t-shirts. I wonder what do these guys eat for breakfast. The campaign to help the band goes up until May 17th and they’re unfortunately far from reaching their goal. You already know these boys make great music and that they’re working really hard. Now, what about helping them?

Por que cantar em português?

Banda de metal/hardcore de São Paulo, o Project 46 estava com a gravação seu primeiro álbum encaminhada quando resolveu incluir uma hidden track com letra em português. A coisa funcionaria como um teste, uma música diferente em meio ao álbum todo cantado em inglês. Quando a faixa ficou pronta, o impacto dela foi tão grande que deixou os cinco integrantes em dúvida. Ficou bom. Será que o resto delas também soaria bem se traduzida também? “Por que cantar em português?”, perguntaram-se.

Project 46

Project 46

As referências do headbanger brasileiro padrão são gringas, não só porque o estilo foi criado e aperfeiçoado fora do País, mas também porque boa parte das principais bandas daqui faz música em inglês – Sepultura e Korzus são exemplos. Assim funcionava com o Project 46 também. Antes de formar a banda, o quinteto integrava um cover de Slipknot. O primeiro EP, If You Want Your Survival Sign Wake up Tomorrow (2009), tem quatro faixas em inglês. Dois anos depois, eles resolveram arriscar: passaram todas as letras para português. Os efeitos disso são muito interessantes.

Primeiro porque algumas músicas foram traduzidas quase que fielmente, sem grandes adaptações. Wake Up, do EP inicial, virou Acorda Pra Vida no primeiro álbum, intitulado Doa A Quem Doer (2011), assim como If You Want agora é Se Quiser e Tomorrow é Amanhã Negro. Survival Signs, por sua vez, foi uma das músicas bem alteradas, transformando-se em No Rastro Do Medo. De qualquer maneira, a temática é a mesma: porrada, desgraça e a luta para superar os medos, problemas e dificuldades. Cantar em português, por fim, acabou fazendo toda diferença para o Project 46.

O principal motivo é a identificação com as letras. O guitarrista Vinícius Castellari explicou, em entrevista ao site Whiplash, como é muito mais relevante e significante para o fã gritar um palavrão em português do que em inglês. A gente enche a boca pra falar “Acorda pra vida, caralho”, muito mais do que faria com “Wake up to your life, bastard”, como no original. Além disso, não dá para deixar de notar como a dicção do vocalista Caio MacBeserra em inglês é contestável, enquanto que em português ele consegue marcar melhor as sílabas. Apesar do vocal gutural, dá para entender o que é cantado.

Capa do novo disco

Capa do novo disco

Em português, o Project fala a língua dos fãs, com frases como “Aqui se faz, aqui se paga”, “Então cola na grade e vem” e “Abre a roda ou sai fora”. O efeito disso no show é devastador, da maneira como tem que ser quando um metal é tocado. Resta, então, o nome em inglês, que provavelmente não será trocado. É uma herança dos tempos de Slipknot cover, quando Jean Patton e Vini Castellari resolveram formar a banda. No cover, Patton era o #6, o palhaço, percursionista e backing vocal, enquanto Castellari imitava o #4, guitarrista.

“Project forty-six”, mas eles não se incomodam se a pronúncia mudar para “Project quarenta e seis” ou mesmo “Projeto quarenta e seis”. A banda nunca foi tão engajadamente brasileira como agora. O álbum novo já está pronto, vai se chamar Que Seja Feita a Nossa Vontade e terá, em sua capa, arte do grafiteiro Will Ferreira, conhecido por retratar questões sociais do País em seu trabalho. Uma música já foi liberada: Empedrado, sobre vício em crack, uma questão mais do que atual. Daria para falar disso em inglês? Claro. Mas não teria o mesmo impacto. Em português, o Project 46 é mais relevante. Essa é a resposta para aquela pergunta. E eles acertaram.

Compare as letras do Project 46 em inglês/português (links com vídeo)

Inglês                                                                                             Português
Wake Up                                                                                      Acorda Pra Vida
If You Want                                                                                Se Quiser
Tomorrow                                                                                  Amanhã Negro
Survival Sign                                                                             No Rastro Do Medo

Metallica: perdemos uma grande chance

Estávamos no meio Carnaval, a maioria na folia ou de folga, então talvez nem tenhamos percebido, mas encerrou-se o prazo para escolher as músicas do show que o Metallica vai fazer em São Paulo, no próximo dia 22. Todos que compraram ingresso para o evento no Morumbi, chamado Metallica by Request, puderam usar o código recebido na operação para acessar um site e votar em 17 das 18 que vão compor o setlist – uma delas será inédita. A conclusão disso é que perdemos uma grande oportunidade. A América Latina, no geral, perdeu.

Perdemos a chance de ver um show do Metallica como nunca seria possível. Como a banda corajosamente abriu a votação todas as músicas já gravadas, poderíamos ter escolhido uma apresentação com pelo menos alguns “lados Bs”, talvez as bem antigas, as desconhecidas pelo grande público, as boas músicas novas. Por quê não? Em vez disso, acabamos formando um setlist relativamente dentro do padrão, com grandes sucessos, ainda que baseado nos primeiros álbuns da banda. Será assim no Brasil, mas também em Bogotá (16 de março), Quito (18), Assunção (24), Santiago (26) e Buenos Aires (29 e 30). Lima (20) é a exceção.

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Em todos os países, a música mais votada foi Master of Puppets – em Quito, onde teve a maior parcela de votos, alcançou 78%. Além dela, estarão em todos os shows as músicas Enter Sadman, Seek and Destroy, Fade to Black, The Unforgiven, Battery, Creeping Death, …And Fustice For All, Welcome Home (Sanitarium) e Ride the Lightning. É um baita setlist, e talvez seja essa a explicação para a homogeneidade da votação na América Latina: em um continente onde ainda é relativamente raro ver o Metallica, os fãs querem o melhor do melhor, os sucessos e os clássicos.

Basta olhar o exemplo da Argentina, a única a receber dois shows, e entre eles apenas uma música varia: Blackened dá lugar a Orion da primeira para a segunda noite. One foi a segunda música mais votada em todos os países, exceto na Colômbia, onde surpreendentemente sequer foi incluída no repertório – isso porque One foi o primeiro videoclipe feito pelo Metallica. Além de Blackened e Orion, outras músicas que aparecem em algumas listas são Whiplash e Fuel, a mais recente de todas, do álbum ReLoad, de 1998. Ao todo, a banda colocou mais de 200 músicas para votação. A América Latina reduziu tudo a 23 delas.

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Metallica toca em São Paulo no Morumbi

Brasileiros e argentinos foram os únicos a escolher uma música que não é do Metallica: Whiskey In The Jar, canção folclórica irlandesa. Os brasileiros elegeram uma canção que ninguém mais quis: Wherever May I Roam. Nada disso se compara, no entanto, ao que fez o Peru. Foram eles os que melhor aproveitaram a votação, e definitivamente Lima receberá um show único.

Os peruanos abriram mão de sucessos como Nothing Else Matters, Sad But True e For Whom The Bell Tolls para incluir músicas da fase mais trash do Metallica. Serão os únicos que vão ouvir The Four Horseman (Kill ’em All, 1983), Fight Fire With Fire (Ride The Lightning, 1984) e Disposable Heroes (Master of Puppets, 1986). Eles ainda quase incluíram duas músicas do último álbum da banda, Death Magnetic (2008): All Nightmare Long e The Day That Never Comes. O Peru foi o país em que Master of Puppets teve o menor índice de votação, com 50%.

Não há explicação óbvia para esse cenário diferente. Talvez os fãs de lá sejam mais engajados com os primeiros álbuns. O que há é um caso de amor dos headbangers do país com o Metallica, banda que protagonizou o maior show da história do Peru, com 50 mil pessoas no Estádio Nacional de Lima, em 2010. Quatro anos depois, são definitivamente um ponto fora da reta sul-americana pela qual passarão James Hettfield e cia. Para o brasileiro, não há dúvida de que não restará lamento pelas músicas não escolhidas. O show será cantado do início ao fim. Vai ser, em grande medida, como nas outras vezes em que a banda esteve por aqui.

Raimundos: acabou a nostalgia

Raimundos, aquela banda foda com som pesado, letras de duplo sentido e divertidas, influência nordestina e um jeito ímpar de falar sobre questões sociais – essa banda está mais viva do que nunca. Ela lançou álbum novo, Cantigas de Roda (2014), com 12 músicas para acabar de vez com a tristeza e a nostalgia que a perseguem desde 2001, quando o grupo se desmembrou no auge do sucesso, com saída do vocalista Rodolfo Abrantes, convertido em evangélico.

A questão aqui não é o ex-vocalista. Afinal de contas, já fazem 13 anos que ele deixou a banda – são dez anos sem sequer sua sombra no mainstream, desde o fim do Rodox. Aquele Rodolfo nem existe mais (o NTR falou sobre isso aqui). Ele recusou, por exemplo, participar do álbum acústico do CPM 22 porque a igreja “não permite“. O Raimundos com ele não é, há muito tempo, uma opção. Sem ele, agora voa com as próprias asas.

montagemraimundosNão que a boa fase da banda seja novidade, com a formação incluindo o baterista Caio e o guitarrista Marquim consolidada. Em 2010, vi a banda tocar na Virada Cultural em São Paulo surpreendida e instável diante do mar de gente que se reuniu na Avenida São João. Meses depois, em festas de faculdade já se mostrava cada vez melhor. Voltou aos grandes festivais – em 2011 tocou no SWU, em 2012 voltou ao Planeta Atlântida, em 2013 fez o Circuito Banco do Brasil e 2014 reserva a ela o Lollapalooza, entre outros. Do Rio de Janeiro a Fortaleza a Goiânia e Curitiba, toca no Brasil inteiro.

Seu público não guarda mágoas, o que ficou provado com o sucesso da arrecadação da campanha de crowdfunding para a produção do disco novo. O objetivo inicial era chegar a R$ 55 mil. O resultado final, mais de R$ 120 mil – mais que o dobro, portanto. E esse sequer é o primeiro trabalho pós-Rodolfo: lançaram o Kavookavala em 2002, além do DVD Roda Viva (2010) e singles esporádicos como Jaws (2011). Todos esses aspectos contribuíram para quem a banda chegasse ao Cantigas de Roda em alta. A expectativa em torno desse álbum não poderia ser falsa.

Com dinheiro em mãos, o Raimundos gravou sem precisar se restringir, com produção de Billy Graziadei, vocalista do Biohazard, em seu estúdio em Los Angeles (Estados Unidos), e participação especial de Sen Dog, do Cypress Hill, entre outras.

raimundos-cantigas-de-rodaA primeira música é representativa em relação ao disco. Cachorrinha é um hardcore em que a porrada come solta com vocal cantado na velocidade da luz no melhor estilo Lapadas do Povo. Isso nunca vai tocar nas rádios. Quando Digão dizia, nos últimos meses, “vocês podem esperar tudo dessa banda, menos ela amansar”, não mentiu. É claro que há músicas com potencial radiofônico (Baculejo e Cera Quente, por exemplo), mas, em suma, o que se ouve é um passeio por todas as fases da banda – incluindo as baladinhas já citadas.

Tem reggae com arranjo de metais (Dubmundos), letras divertidas e sacanas (Importada do Interior e Gordelícia), contestação social (Politics) e o forró-core, com Gato da Rosinha, música de Zenílton, o compositor de tantas outras versões eternizadas pelo Raimundos, como Pão da Minha Prima e Tá Querendo Desquitar. Tem “piada interna” interna também. Em BOP, Digão pede “chame o José Pereira“, nome de Canisso. Em Nó Suíno, canta “vacilou os dente voa, mas o Caio bota cola“: baterista, Caio é também dentista em Brasília.

Cantigas de Roda é o álbum mais Raimundos desde que as pessoas passaram a se perguntar “isso ainda é Raimundos?”. Em BOP, Digão avisa: “enquanto os doido pedir, vamo continuar“. Em Politics, que fecha o disco, grita: “isso é Raimundos, caralho! Muito respeito!“. Não dá para ignorar: acabou a nostalgia.

Bônus: versão original de O Pão da Minha Prima, do disco O Cachimbo da Mulher (1981), nome de outro sucesso do forró que foi hardcorizado pelo Raimundos

Lorde | Pure Heroin

Universal Music / 30 de setembro de 2013 / Pop, Eletrônico, Trip Hop

lorde

Faixas:

1. Tennis Court
2. 400 Lux
3. Royals
4. Ribs
5. Buzzcut Season
6. Team
7. Glory and Gore
8. Still Sane
9. White Teeth Teens
10. A World Alone

 

3,0/5

“Corajosamente ignorando todo o hype, é hora de encararmos com franqueza o “fenômeno” Lorde (veja aqui o primeiro post do NTR sobre a artista). Parece sinal dos tempos o fato de que uma artista ligeiramente acima da média (em que se pese o fato de que Ella Maria Lani Yelich-O’Connor [a garota – a voz e a compositora – neozelandesa por trás da marca Lorde] tenha apenas 17 anos) cause tamanha comoção quase que simplesmente por aterrissar de cara no jogo da indústria com uma proposta aparentemente divergente da fórmula já pasteurizada de pop comercial embalado por contornos emprestados do rock alternativo pós mercantilização da rebeldia juvenil. Beneficiando-se, intencionalmente ou não, da trilha aberta por representantes do intenso, porém fugaz, fenômeno do Trip Hop do início do milênio, Lorde chega pra consolidar de vez a economia de nicho na música comercial yankee. A mistura levemente bagunçada, mas competente, de pop romântico-adolescente – conduzido fervorosamente pelos vocais melódicos de Ella – com experimentalismo rock/eletrônico atuando na margem de segurança do paladar do público jovem contemporâneo médio, tem potencial pra divertir o ouvinte ocasional ao mesmo tempo em que apela para a condescendência dos consumidores mais experimentados de música. Para os últimos está reservada a alegre sensação de que a indústria não conseguiu passar ilesa pela urgência criativa das últimas duas décadas, enquanto que aos primeiros fica reservada a emergência de um produto afinadíssimo com a esquizofrênica e insaciável demanda por criatividade musical e coragem artística aprovada por comitês executivos e habilmente empacotada para consumo. Enfim, considerando os tempos em que vivemos, Lorde supera com folga as comparações (descabidas e preguiçosas, convenhamos) com a contemporânea Lana Del Rey e gravita em uma órbita muito mais interessante, a meio caminho da galáxia em que Grimes, por exemplo, brilha sossegadamente na condição de fenômeno da música em tempos de banda larga.“

É pra quem gosta de:

Lana Del Rey – Grimes – Goldfrapp – Portishead

Tem que ouvir:

Tennis Court – Royals – Buzzcut Season

Pode pular:

Ribs – Still Sane

 

*Se você não tem como comprar o álbum, em versão física ou digital, dá pra ouvir provisoriamente no YouTube.